En tidning från ABF

Guide

Mästarnas mästerverk!

– Antikrundans expert: här är

de tio bästa som målats någonsin

Det finns mästerverk och så finns det mästerverkens yttersta toppskikt. Varför blev de så berömda? Fönstret bad Antikrundans konstexpert Claes Moser ranka konsthistoriens tio mest betydelsefulla målningar. Resultatet: 10 målningar, målade av konstnärer från 6 olika länder (Italien 3, spanien och Nederländerna 2 vardera och Norge, Frankrike och USA varsin) – från ett spann på 32 000 år! Men de har en gemensam nämnare: – De är inte bara vackra. Det finns också någonting som vi uppfattar som ett outtalat budskap i de här målningarna. en mystik som aldrig upphör att fascinera oss.

1. Mona Lisa (La Gioconda)

Konstnär: Leonardo da Vinci (1452–1519).

År: 1507.

Stil: Italiensk renässans (en stil som föddes på 1300-talet, lyfte konsten till nivåer den aldrig hade varit i närheten av tidigare, hade sin storhetstid på 1500-talet med namn som Leonardo och Michelangelo och varade fram till omkring 1600 då barocken tog över).

Mått: 53 x 77 cm.

Motivet: – Vi pratar här om porträttens porträtt, det som varje konstnär skulle vilja slå, men ingen ännu har lyckats med, under 500 år! Målningen antas visa adelskvinnan Lisa Gherardini som precis som Leonardo levde i Florens i Italien, och vara beställd av hennes man, Francesco del Giocondo.

Därför blev målningen ikonisk: – Det finns en otrolig kvalitet i hela målningen, i Leonardos tekniska kunnande. Men det vi alla fascineras av allra mest är såklart: vad anspelar det här gåtfulla leendet på? Vi kan faktiskt hitta Mona Lisas leende även på andra av Leonardos porträttmålningar och det väcker ju frågan: Är det modellernas leende, eller är det konstnärens? Mytbildningen kring Leonardos Mona Lisa är lika stark som kring van Goghs avskurna öra!

– Leonardo da Vinci är själv som person oerhört spännande. Han är inte bara konstnär utan vetenskapsman, ingenjör, uppfinnare. Han utforskar kroppens inre, uppfinner kanoner och skissar t o m på en helikopter.– Av det han målade är det heller inte bara Mona Lisa som klassas som mästerverk. Nattvarden, som han målade på väggen i Milanokyrkan Santa Maria delle Grazie, hamnar enligt mig strax utanför konsthistoriens topp tio. Han är nog konstens jämnaste mästare – det finns inga dåliga verk av Leonardo. Han är en osannolikt bra konstnär.

Så togs den emot: – Med beundran. Leonardo var en superstjärna redan på sin tid. Han fick uppdrag av kungar i flera olika länder, hade råd att omge sig med assistenter och dog som en förmögen man.

Titta extra noga på: – Det finns ett fascinerande landskap i bakgrunden. Under den här tiden utvecklar man en exakthet i konsten, före renässansen var man inte så noga med det, då var det viktigare att förmedla kristendomens budskap än att proportionerna skulle vara verklighetstrogna. Men under renässansen väcks intresset för människan och naturen som man lär sig avbilda till perfektion. Man kan också tolka omgivningen som Mona Lisas egna familjedomäner, så det kan vara ett maktspråk som man vill visa upp också.

Finns att se: Louvren, i Paris.


 

2. Skriet

Konstnär: Edvard Munch (1883–1944).

År: 1893.

Stil: Tysk expressionism. Munch är en av dem som uppfinner den här konstnärliga-ismen. Det finns expressionism på andra ställen, t ex målade van Gogh också expressionistiskt i Frankrike. Men bara i Tyskland får expressionismen den här våldsamma och socialrealistiska stilen.

Mått: 73 x 91 cm.

Därför blev målningen ikonisk: – Här har vi en relativt modern klassiker. En traumatisk målning, som utstrålar en oerhörd egenupplevd ångest. Det är inte helt självklart att vi gillar ångest, i synnerhet inte vi svenskar. Därför kan man tycka att det är extra anmärkningsvärt att den har fått en sådan status.

– Munchs liv omges av familjeolyckor och han fångar kroppens inre mående på duken. Han är väldigt självutlämnande. På 1890-talet är ju tiden mogen för att man ska våga visa öppet att man mår dåligt. Han är inte politisk, visar visserligen precis som Toulouse-Lautrec bordellbilder, samhällets utkanter, arbetarnas styrka. Men han är nästan ensam om att gå så djupt in i det inre, och där ligger styrkan hos honom.

Han är påverkad av van Gogh, och var precis som han var psykiskt sjuk under perioder. Dock – till skillnad från van Gogh, som dog utfattig och blev ett namn först efter sin död – så var han pengamässigt framgångsrik, och omgiven av beundrare.

Så togs den emot: – I konstnärskretsar blev den geniförklarad från start. Det dröjde dock till modern tid innan den blev ikonisk i breda lager. I dag har Skriet blivit nästan som ångestens Coca-Cola, ett varumärke för ångesten. En av Munchs skisser till Skriet, i krita, såldes nyligen för 900 miljoner kronor!

Titta extra noga på: – Se på penselföringen, som är så otroligt medryckande med de många och långa parallella strecken. Det är inte bara människan som är i kris – utan hela naturens ordning!

Finns att se: Munch målade fyra versioner av Skriet, en är fortfarande i privat ägo men de tre andra finns att se på Nationalmuseum och Munchmuseet i Oslo.


3. Venus Födelse

Konstnär: Sandro Botticelli(1883–1944).

År: ca 1485.

Stil: Italiensk renässans (samma tid som Mona Lisa).

Mått: 278 x 172 cm.

Motivet: – Det här är en ganska dramatisk mytologisk tanke vi ser: skönhetens gudinna Venus föds ur havet, och vi ser dessutom hela naturen födas på nytt, för Botticelli passar på att samtidigt måla in en prunkande hyllning till våren.

– Det här är en urtypisk renässansmålning – helt utan religiösa hotfulla budskap. En ren hyllning till skönheten. Botticelli har kallats ”intim lyriker”, han var ingen propagandist eller maktmålare som så många andra under hans tid.

Därför blev målningen ikonisk: – Venuskulten – att dyrka den kvinnliga skönheten och åtrån efter den i form av en gudinna – är flera tusen år gammal. Botticelli fångade allt vad den kulten står för så pass bra att den har blivit ett av konsthistoriens mest kopierade verk.

– Och trots vår moderna genusuppvaknande upplevs ändå den här, efter mer än ett halvt årtusende, inte som förlegad, utan som en harmonisk vällustig bild. Ingen har ännu kommit på tanken att den här skulle retuscheras.

Titta extra noga på: – Det finns gott om nakenporträtt i konsthistorien där det verkar som att konstnären aldrig har sett en kvinna naken. Men här har vi en ganska sann idealbild av en stjärnmodell av sin tid.

Finns att se: Uffizierna i Florens i Italien.


4. Adams skapelse

Konstnär: Michelangelo.

År: 1511–12.

Stil: Italiensk högrenässans. En takmålning som är gjord för att ses nedifrån och upp.

Mått: 480 x 230 cm.

Motivet: – Scenen ur Bibelns första Mosebok då Gud andas liv i den första människan, Adam.

Därför blev målningen ikonisk: – Den har en sådan uppenbar kompetens i varenda linje! Michelangelo var en perfektionist. Det är så genomtänkt hur betraktaren på golvet 30 meter längre ned ska uppleva en sann bild. Den upplevs inte som en platt bild. Ingen hade tidigare kunnat måla på vägg så att det ser så verklighetstroget ut.

– Michelangelo är kanske den av alla renässansmålare som står allra närmast makten. Både som skulptör och som målare och arkitekt. Han var oerhört populär under sin livstid. Ingen har fått chansen att utsmycka det offentliga rummet så som han. Han får i uppdrag att designa kristenhetens viktigaste kyrka – den nya Peterskyrkan i Rom, med ett resultat som var och en av oss kan bevittna än i dag.

– Ofta är man antingen skulptör eller målare, men Michelangelo var både och, och lika bra på både och. Den kombinationen finns inte hos många av hans kolleger.

– Det var beställningsverk han gjorde, från kyrkans och politikens elit,men det är ändå verk som har blivit evigt ihågkomna med upphovsmannen, Michelangelo, och inte uppdragsgivarna. Michelangelos målningar och skulpturer sitter djupt präglade även hos oss som lever i dag.

Titta extra noga på: – Det är verklighetstroget, men också en helt personlig stil, en elegans som är hans egen. Michelangelo var en egensinnighet i sintid, lade till ett svårmod som bröt mot det rådande idealet att det var harmoni som skulle skildras.

Finns att se: Sixtinska kapellets innertak i Vatikanmuseerna i Rom.


 

5. Stjärnenatt

Konstnär: Vincent Van Gogh (1853–90).

År: 1889, extremt före allting som liknar den här stilen. (Munchs Skriet kommer fyra år senare fram till det här resultatet.)

Stil: Postimpressionism, en stil som van Gogh själv skapade. Impressionisterna före honom är det frysta ögonblickets betraktare, medan van Goghs målningar har en helt annan dynamik. Lägg till det en stor sympati för den smutsiga vardagen och fattigdomens verklighet som verkligen var självupplevd för van Gogh. Impressionisterna målar helst pråmarna på Seine, van Gogh ser i stället den sociala misären och den riktigt utsatta människan. Hans stil är vildsint, t o m brutal. Och han förstärker den med en penselföring som är extremt tydlig.

Mått: 73 x 92 cm.

Därför blev målningen ikonisk: – Det finns extremt mycket bra av van Gogh, men den här är nog den av hans målningar som har påverkat andra konstnärer mest. Ingen hade sett en sådan här ultramarin himmel innan van Gogh målade den här tavlan. Det här i kombination med en hans väldigt yviga penselföring gör målningen helt unik.

– Den här målade han när han sitter inspärrad på mentalsjukhus i Saint Remy. Där, under sitt sista levnadsår, åstadkommer han några av sina allra bästa målningar. Det är utsikten från hans rum vi ser.

Så togs den emot: van Goghs målarkolleger såg hans geni medan han levde. Men inte många andra. van Gogh dog utfattig och relativt okänd. Men ganska snart efter hans död växte intresset och framåt mitten av 1900-talet rådde det enighet om att van Gogh tillhör konsthistoriens allra största.

– van Goghs karriär var inte alls lång, han började måla sent och dog redan vid 37 års ålder. Ändå har han inte bara en utan kanske fyra målningar som nosar på konsthistoriens tio-i-topp-lista.

Titta extra noga på: – Den ”lapis lazuli”-blåa färgen med sin enorma lyskraft, den slutade man använda under renässansen eftersom den var så dyr (utvinns ur en stensort som heter just lapis lazuli). Det är vågat att använda en så djup blå färg i stället för svart på en natthimmel.

Finns att se: Museum of Modern Art (Moma) i New York.


6. Guernica

Konstnär: Pablo Picasso (1889–1973).

År: 1937.

Stil: Sen kubism. Picasso har målat kubistiskt sedan 1907 då han uppfann stilen, men inget så monumentalt som Guernica.

Mått: 776 x 349 cm. Gigantisk – för att Picasso ville att den skulle vara väldigt tydlig, antagligen hade han Leonardo da Vincis Nattvarden i åtanke, den målades ju också för att vara extremt tydlig i sitt bibliska budskap.

Motivet: – Scener av lemlästade människor och djur, baserat på den massiva bombningen av civila i den lilla byn Guernica i norra Spanien den 26 april 1937, utförd av bombplan från Nazitysklands Luftwaffe på uppdrag av den fascistiska sidan i det spanska inbördeskriget.

Därför blev målningen ikonisk: – Guernica ses av många som den kanske mest kraftfulla av alla anti-krigsmålningar, ja som själva arketypen av alla politiska målningar över huvud taget.

– Picasso själv upplevdes redan då som 1900-talets gigant. En världsartist, en allkonstnär som prövar alla tekni-ker, inte bara målning även skulptur och keramik. En da Vinci för sin tid. Han lever visserligen i Frankrike sedan länge, men är ändå spanjor. Spanska inbördeskriget drabbar honom i hjärtat. Demokrati slås ned av diktatur och folkmord. Det blir ett djupt angrepp på hela hans rotsystem.

Så togs den emot: Precis som Picasso avsåg togs den emot som en jätteaffisch mot krigets fasor. Och ikonkraften hos Guernica har bara vuxit, trots att inte alla i dag känner till själva händelsen i Guernica.

Titta extra noga på: – Ge den tid, för att upptäcka alla de geometriska symbolernas mänskliga betydelse. Det är här Picassos mästerskap ligger, han är det geometriska måleriets stora mästare. Picasso ansåg inte själv att han var abstrakt, varje enskild del ska vara möjlig att tolka.

Finns att se: Museo Reina Sofia, i Madrid.


 

7. Las Meninas

Konstnär: Diego Velázquez (1599–1660), hovmålare åt Spaniens kung Filip lV.

År: 1656.

Stil: Spansk barock. Under renässansenlärde sig konstnärerna att måla människor och omgivning precis som det såg ut. Den efterföljande barocken lägger till en nästan teatralisk dramatik, med kraftiga rörelser och skarp kontrast mellan ljus och mörker, ofta på uppdrag av kyrkan för att förstärka ett bibliskt budskap. Men den här målningen är mer stillsamt vardaglig.

Mått: 276 x 318 cm.

Motiv: Vardagsskildring av hur prinsessan Isabella kläs på vid det kungliga spanska hovet i slottet Escorial i Madrid.

Därför blev målningen ikonisk: – För att den är ett nyskapande maktporträtt. En ganska utlämnande bild av den lilla kronprinsessan. Hon kläs i prinsesskläder men i bakgrunden övervakas hon av den egentliga makten, av pappa kungen som står där som en dörrvakt.

– I Italien målades det mesta under barocken i en heroiserande med mytologiska sagomotiv. Velázquez valde en mer var-dagsrealistisk stil än många andra målare under den här perioden, en mer personlig stil. Han har hittat det mänskliga i det pompösa makt- och hovlivet. Det finns en sårbarhet i den här målningen som gör att den aldrig känns daterad.

– Det här är en av de fåtaliga målningar som påverkade Picasso. Han ägnade ett år av sitt yrkesliv åt att bara måla kopior på den här. I Picassomuseet i Barcelona finns det en svit som helt upptar Picassos skisser till Las Meninas.

Titta extra noga på: – Konstnären visar även sig själv, som att han tittar på oss som mot en spegel. Ett tecken på att konstnärer börjar bli stjärnor, och inte bara anonyma hantverkare.

Finns att se: Museo del Prado, i Madrid.


8. Nattvakten (Kapten Frans Bannings Cocqs Skyttekompani)

Konstnär: Rembrandt (1606–69).

År: 1642.

Stil: Holländsk barock. Rembrandt skapar inte barocken, men han blir den kanske allra mest fulländade barockmålaren av dem alla, framför allt när det handlar om ljus och mörker.

Holland blir vid den här tiden världens rikaste land med mängder av nyrika affärsmän. Dessa ville gärna betala konstnärer att dokumentera sin hemmiljö och borgerliga status. Den holländska barocken målar alltså framför allt inte religiösa motiv, utan dyrbara tyger, prylar och lyxmat tänkta att imponera på husets gäster.

Mått: 467 x 363 cm.

Motiv: Ett skyttekompani som är ute på uppdrag att vakta Amsterdams gator.

Därför blev målningen ikonisk: – För att Rembrandt som ingen annan lyckades fånga kontrasten mellan ljus och mörker. Alla svenska konstnärer under 1800-talets andra hälft tvingades resa ner till Amsterdam för att träna på att måla Nattvarden.

Så togs den emot: Med beundran. Rembrandt har fullt upp och anställer folk som hjälper honom att pumpa ut målningar i en ren ”Rembrandt-fabrik”. Men han blir ändå fullständigt ruinerad och dör i misär. Han fick ekonomiskt fnatt – som en 1600-talets Michael Jackson.

Titta extra noga på: – Det här är ett ganska enkel motiv, en grupp väktare på en gata. Men som blir ett mästerverk för att Rembrandt ser hur ljuset påverkar hur vi uppfattar vår omgivning. I det här fallet ett glödgande, nästan demoniskt ljus som gör ett ganska enkelt motiv djupt dramatiskt.

Finns att se: Rijksmuseum, i Amsterdam.


 

9. Marilyn

Konstnär: Andy Warhol (1928–87).

År: 1962.

Stil: Amerikansk popkonst. En stil som för första gången på allvar drar konstvärldens blickar från Paris och Europa till New York och Amerika. Warhol är popkonstens främste affischnamn och kan till stor del också sägas ha skapat stilen.

Mått: 205 x 289 cm.

Motiv: Marilyn Monroe.

Därför blev målningen ikonisk: – För att han lyckas upphöja det vardagliga till stor konst med sina upprepade bilder av till synes samma motiv.

– Warhol är egentligen reklamman och därför blir affischens uttryckssätt någonting bestående hos honom. Det har Toulouse-Lautrec gjort nästan 100 år före honom. Och liksom Toulouse-Lautrec väljer han vardagsvaran som sitt motiv. Han utmanar också uppfattningen att ett konstverk ska vara exklusivt, han gör Marilyn i oräkneliga upplagor. Det är en svår nöt att i dag knäcka vad som är original och kopia.

– Warhol gjorde mycket, men två av hans verk sticker ut som stora ikoniska emblem: ”soppburken” och Marilyn. Det här har heller aldrig känts omodernt, reklammannen Warhol lyckades fånga en publik för en lång tid.

– Som konstnär beter han sig också som att han är en renässansmänniska, han själv blir som en hel rörelse, han är lika mycket artist i sig själv som idékläckare till saker som andra sedan genomför. Hans konstnärsstudio The Factory blir som ett slags vandrarhem för olika konstnärliga rörelser.

Titta extra noga på: – Se hur Warhol lyckas förändra en och samma bild genom att förändra färgsättningen av den.

Finns att se: T ex Guggenheim och Moma i New York.


 

10. Grottmålningarna i chauvet/chauvet-pont-d’arc

Konstnär: okänd

År: Ca 31 000 år f Kr.

Stil: Världens första muralmålning.

Mått: Mer än 1 000 målningar fyller grottan.

Motiv: Djur, som mammutar, uroxar och vildhästar.

Därför blev målningen ikonisk: – Det här är en bild som alla som har gått i skola någon gång har sett. Även om den inte har särskilt höga konstnärliga ambitioner så går det inte att låta bli att känna sig ödmjuk inför våra förfäders första försök att skapa konst. De ville visa hur de levde.

Titta extra noga på: – Det unika med det här är att det är det första konstverk som människan inte bara har huggit ut i något materiel, utan även färglagt. Det påminner om falu rödfärg.

Finns att se: I Chauvet, 9 mil norr om Avignon i sydöstra Frankrike.

Ursprungligen publicerad i nummer 3 2016